1. COREOGRAFIA
KOREOS= Danza
o Movimiento GRAFIA= Escritura
“Es
el Arte de crear estructuras en las que suceden movimientos”
1.1 COREOGRAFO
“IDEA, INVENTA, CREA Y ESCRIBE LA DANZA”
Es el creador de la composición del baile, tanto para la
danza como para otros espectáculos como el patinaje, la gimnasia rítmica, etc. Compone estructuras de movimientos
trabajando con el cuerpo, espacio y tiempo, respaldado en su experiencia y
persiguiendo un objetivo escénico
Características
Ø Bailarín profesional
o empírico
- Conocer
una estructura Musical
- Crear
rutinas.
Ø Formado
- Diseñar Coreografía
- Conocimiento
- Experiencia-
formación
1.2 TERMINOLOGIA
PLANIMETRIA
Son
aquellos movimientos que se pueden representar en un plano, los movimientos
realizados en dicho baile se representan por medio de signos para saber cómo se
mueve cada persona o todas las personas, los hombres tienen que ir
diferenciados de las mujeres y viceversa para identificar cual es la posición
de estos géneros (masculino y femenino) La planimetría también puede ser la
manera de idear un baile para después practicarlo ya en movimientos corporales
La
planimetría Es la forma como la coreografía se representa en el plano. Por
ejemplo, de una danza ritual africana alrededor de un objeto podría decirse que
posee una planimetría circular. Dentro de la planimetría podemos hablar también
de las figuras que se realizan durante la danza.
PLANIGRAFIA
Plasmar los
movimientos en un papel.
Convenciones o Signos:
Representan esquemas gráficos de una coreografía, su figura
representa una forma corporal o indica un desplazamiento determinado.
Hombre. Mujer.
ESTERIOMETRIA
Son los
movimientos que hace el bailarín con su cuerpo, comprende pasos, figuras
y actitudes corporales que se realizan al ejecutar la danza.
1.3 ESCENARIO
Se
denomina escenario a todo
aquel espacio destinado a la representación de las diversas artes escénicas o utilizado para eventos públicos (conferencias, Bailes, conciertos etc.)
1.3.1 TIPOS DE ESCENARIOS
ITALIANO: Es el modelo más extendido, con un solo frente de herradura "el público está frente al escenario, con una división entre el público y los actores". Un espacio característico de este modelo son las bambalinas; telones situados a los costados.
PROSCENIO: Sitúa el escenario a un extremo de la sala y consiste en una abertura en la pared que lo separa del público.
ARENA: El público rodea el escenario por completo, puede ser cuadrado o circular.
ABIERTO: Llamado también plataforma o estrado.
1.4 TIPOS
DE COREOGRAFÍA
Monólogo: Esta depende de una
sola persona, puede ser instruida por otra pero la que lo lleva al escenario es
la que danza. Es una de las coreografías minorías de entre las modernas y se
aplican a base de las obras literarias y operas. Éstas no estructuran danza
moderna grupal.
Grupal: Es la danza más usada
en todo el mundo. Éstas se construyen por el coreógrafo quien corrige los
movimientos que se actuaran, los grupos coreógrafos son de 6 a 10 personas,
están basadas en la persona principal que actúa de manera casi diferente a los
otros.
Expresiva: Aquella en la que
recurren expresiones interjectivas y muchas manifestaciones dancísticas.
Distributiva: Marcada por una
división. Mientras que las otras personas bailan, el principal hace actos pero
vuelve a recurrir a ellos, se pueden dividir entre las personas por ejemplo: la
principal danza igual que cinco personas colocadas atrás, mientras que dos al
lado del principal danzan igual pero diferente a los otros.
Principal: El bailarín va hacia
la persona principal, pero también dirigida hacia los bailarines.
Folclórica: ésta es la más usada
entre los pueblos rurales en la que destacan los bailes o danzas culturales
sembrada en un país. Ésta la usan más los países para destacar la cultura entre
las personas y dar conciencia al pueblo y entretenerlos.
Pasacalles:
se diferencia de los escenarios estáticos debido a que la coreografía avanza o
se desplaza en esta modalidad.
Laboratorio o caja negra:
este es muy recurrente por los grupos de teatro experimentales, donde la
distribución del público y los actores es aleatoria.
2.
CARACTERISTICAS
COREOGRAFICAS DE LAS DANZAS DEL TOLIMA
Danzas del Tolima
El departamento del Tolima cuenta
con una variedad de ritmos folclóricos, con un
alto mestizaje por ello hay danzas de
origen indígenas mulatas y zambos, que cuentan historias mágico religiosa,
de labor cotidiano del campesino, historias sacras y historias profanas que
guardan con recelo la historia indígena de nuestro pueblo la barraquera y
empuje de él tolimense trabajador y orgulloso de sus costumbres.
La caña es el único ritmo de la zona andina que
se interpreta de manera exclusiva en el Tolima, puesto a que su creador es del
Tolima y las melodías reconocidas también fueron compuestas por el mismo
creador, los instrumentos que se interpretan en una caña surgen de la
combinación de instrumentos del sanjuanero y el rajaleña.
La guabina es un ritmo campesino romántico,
dentro de las guabinas más reconocidas está "vivirás mi Tolima" y el
himno de la ciudad de Ibagué "Hurì", aunque también surgen guabinas
con títulos muy particulares, tal es el ejemplo de la guabina "La
guerrillera"
Pero también existen danzas y ritmos que se
conservan de la era precolombina, es decir a los ritmos de la cultura indígena;
La danza de los cucambos del Valle de San Juan en el Tolima, la caña brava a
ritmo de valz indígena y danzas alusivas a los caciques que habitaban el valle
de los panches, del famoso cerro del pacandè de los indígenas Natagaimas y la
villa de San Bonifacio de las Lanzas.
Dichas
danzas se ejecutan en pareja mediante círculos, hileras,
semi círculos, bloques; se realizan
figuras como:
Cuadros,
Ventanas, Surtidores, Arrodilladas, Codos, Ochos, Pasamanos, Túneles.
Parafernalia
– Canastos – Flores – Frutas – Cuerdas-Cintas-lazos
– Símbolos – Machete – Herramientas – Palos –Cañas –Ollas
3.
DERECHOS
DE AUTOR
es un
conjunto de normas jurídicas y principios que afirman los derechos morales y
patrimoniales que la ley concede
a los autores (los derechos de autor),
por el solo hecho de la creación de una obra literaria, artística, musical, científica o
didáctica, esté publicada o inédita. La legislación sobre derechos de autor en
Occidente se inicia en 1710 con el Estatuto
de la Reina Ana.
Se
reconoce que los derechos de autor son uno de los derechos humanos
fundamentales en la Declaración Universal de los Derechos Humanos.1
En el derecho
anglosajón se utiliza la noción de copyright (traducido literalmente como ‘derecho
de copia’) que —por lo general— comprende la parte patrimonial de los derechos
de autor (derechos
patrimoniales).
Una
obra pasa al dominio
público cuando los derechos patrimoniales han expirado. Esto sucede
habitualmente trascurrido un plazo desde la muerte del autor (post
mortem auctoris). El plazo mínimo, a nivel mundial, es de 50
años y está establecido en el Convenio de Berna. Muchos países han extendido ese plazo ampliamente. Por ejemplo, en el Derecho
europeo, son 70 años desde la muerte del autor. Una
vez pasado ese tiempo, dicha obra entonces puede ser utilizada en forma libre,
respetando los derechos
morales.
3.1 Campo de Aplicación
La protección del derecho de autor abarca
únicamente la expresión de un contenido, pero no las ideas. Para su nacimiento
no necesita de ninguna formalidad, es decir, no requiere de la inscripción en
un registro o el depósito de copias, los derechos de autor nacen con la
creación de la obra.
Son objeto de protección las obras
originales, del campo literario, artístico y científico, cualquiera que sea su forma de expresión,
soporte o medio. Entre otras:
·
Libros, folletos y otros escritos;
·
Entrevistas
4.
LUMINOTECNIA
Es la técnica
que estudia las distintas formas de producción de la luz, así como su control y
aplicación.
Sus
principales magnitudes son:
·
Flujo
luminoso: Potencia
emitida en forma de radiación luminosa a la que el ojo humano es sensible.
·
Eficacia
luminosa: Describe el
rendimiento de una lámpara.
·
Intensidad
luminosa. La intensidad luminosa de una
fuente de luz en una dirección dada
·
Iluminancia: Se define como la relación entre el flujo luminoso que incide
sobre una superficie y el tamaño de esta superficie.
·
Luminancia: Mientras que la iluminancia nos describe la potencia luminosa
que incide en una superficie, vemos que la luminancia nos describe la luz que
procede de esa misma superficie.
El
diseño de la iluminación es un aspecto importante para completar el mensaje del
coreógrafo. Con los diseños se dan sensaciones; con la iluminación se comunica
el colorido, se da la atmósfera a la escena y se guía el interés del público
hacia la parte esencial de la danza: bailarines, cuerpos, vestuario y
movimientos. La iluminación forma parte de la interpretación de una obra
coreográfica.
Un mal diseño de la
iluminación puede crear una atmósfera que no ayude en nada a la concentración
de los asistentes, claro, a menos que se trate de la lectura de un libro y que
trate de generar un momento cercano o intimo. Si esto no es así, usa luz clara,
con filtros para atenuar los brillos y cuida que su colocación no “encandile”
al ponente. Da luz en los puntos más importantes, y sombras en los espacios
neutros.
4.1 Tipos de Iluminación
1. Frontal: proyecta
sobra detrás del objeto y no da profundidad.
2. Lateral: genera
detalle y textura
3. Cenital: de
arriba hacia abajo, esta luz crea una sombra hacia abajo
4. Nadir: de
abajo hacia arriba, esta sombra genera la sensación fantasmal o de
suspenso
5. Contraluz: esta
luz no da detalle, volumen ni sombra.
4.2 Objetivos
* Permitir en una puesta escena que haya una intensidad y
equilibrio.
* Crear contrastes,
luz y sombras.
* Permitir mezclas de
luces cálidas y frías.
* Logra un vínculo con el público
* Cambios conscientes
e inconscientes durante la puesta en escena
* Complementar la
danza, dándole un estilo al manejar la
luz y los tipos de luz durante la interpretación.
5.
MAQUILLAJE
DE ESCENARIO
El
maquillaje en la escena es de suma importancia ya que crea realismo.
Para el
maquillaje para danza folklórica se tienes que utilizar los mismos colores del
traje que se utilizara para la danza, los importante es que los colores
utilizados logres una perfecta armonía con los colores del vestidos. Armonía perfecta
entre maquillaje y vestuario. Por ejemplo si para la danza utilizas un traje en
color fucsia, para el maquillaje puedes utilizar un estilo ahumado en tonos
negros, grises mates o metalizados y blancos que conjuguen perfectamente con el
color del traje como es el fucsia.
Para empezar con el
maquillaje para danza folklórica tienes que empezar por cubrir todas las
imperfecciones de la piel con la aplicación de un corrector de maquillaje,
luego aplicar la base de maquillaje y los polvos translucidos para sellar y
fijar perfectamente el maquillaje, luego se tiene que iniciar con el maquillaje
de ojos que es lo más importante y especial.
Existen
datos de maquillajes que se realizaban con pigmentos naturales, como una opción
de mimetismo, transformación o caracterización. Incluso el maquillaje ha sido
una vía para la jerarquía social en muchas culturas del mundo. Podemos hacer
una división del maquillaje en tres vertientes importantes. El primer canal de
expresión, es el religioso, en donde culturas animistas y otras religiones
utilizan al maquillaje como un elemento indispensable para acercarse al dios o
las deidades, siendo importante el ajuar para presentarse digno al ritual o
recinto religioso. Un ejemplo claro sería el Chamán o el Gurú de algunas
culturas africanas, americanas o australianas.
6.
COMPONENTES
DE LA DANZA
“Arte
de los cuerpos en movimiento”
La danza se compone de diversos elementos
fundamentales, los cuales se interrelacionan, logrando transmitir emociones al
público y también para el mismo bailarín.
Ritmo Expresión corporal Movimiento Espacio
Color Estilo Danza Religiosa: Derviches Sufíes danzando como parte de su
ritual. El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es
siempre parejo. En ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del
espacio, etc.
También es importante destacar que de acuerdo
al tipo y género de baile, se acentuará el uso de uno u otro elemento. Cuando
la danza se manifiesta con una intención determinada, diferente a lo que es el puro
bailar o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, se puede
complementar con lo que se puede denominar “adicionales no danzantes”. Éstos
son cuatro: mímica, gesto simbólico, canto y palabra.
La danza sirve para desarrollar los sentidos,
la percepción, la motricidad y la integración de lo físico y psíquico de la
persona. Coreografía Los elementos (movimientos) y características específicas
de una danza, se utilizan para elaborar una coreografía, pero también pueden
inventarse nuevos movimientos para crear una nueva coreografía y de igual forma
pueden ser combinadas 2 o más coreografías.
También se utiliza la coreográfica en ciertas
situaciones, cómo, eventos o presentaciones artísticas las famosas coreografías
en la cinematografía o el teatro.
El abecedario de la danza
suele considerar:
Tiempo O Tempo:
Pulso interno de ejecución del movimiento, velocidad de acción.
Espacio:
Flujo o intensidad de energía aplicada al movimiento o la acción.
Energía:
entorno espacio escénico.
Cuerpo:
instrumento para representar la coreografía; con el se pueden realizar giro,
saltos, desplazamientos, equilibrios y agarres.
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